САКРАЛЬНАЯ ГЕОМЕТРИЯ ХОРОВОДА

КАК ИСПОЛЬЗУЯ ХОРОВОДЫ ГАРМОНИЗИРОВАТЬ ЖИЗНЬ, ОЧИЩАТЬ ЧЕЛОВЕКА И ЗЕМЛЮ В ЦЕЛОМ 

Хоровод - древняя народная практика, являющаяся и мощнейшим очистительным эффектом для человека и пространства Земли в целом. В хороводе каждый может рассмотреть, что происходит в его жизни и прямо в хороводе начать править ее в лад.

6b8daea812b23bcccdd028c7cfbd3289

Хороводы - это уникальная психотехника наших предков, где через движение и единение прорабатываются психические и физические вопросы каждого участника. Тело и разум становятся свободными и чистыми. терапевтический эффект сложно переоценить, скорее можно недооценить.

Хороводы - не спорт! В них не надо "быстрее,выше, сильнее", хотя тело мощно тренируется - правится при хождении в них. Правятся суставы, связки, ладятся мышцы, уходят зажимы, напряжения...

Хоровод  - древнейший обрядовый танец, вопрощающий в себе принцип извечного коловращения. В славянской культуре имеет так же названия "по солонь" (по солнцу), "коло", "коловрат" и сотни других вариаций. Хоровод самый древний славянский танец - родоначальник всех видов народной хореографии. Можно сказать. что славянская пляска появилась, разорвав цепь Хоровода. Не просто танец, а сама жизнь, символ вселенского лада. 

32_big_1402156653

Существует два вида Хороводов: обрядовые и игровые. Движения обрядового танца являются проводниками во внутренний мир и следуют заданной структурк танца, неприменно включающей 7 сакральных фигур:

Столбы. Участники хоровода образуют неподвижный квадрат, который затем приходит в движение. Те, кто находится сзади, по трое выходят чуть в сторону, обходят остальных и встают в начало квадрата. Движенеие продолжается до тех пор, пока не переместятся все. Фигура "столб" символизировала единство земли и неба, женского и мужского начала, которые, приходя в движение и перемешиваясь, формируют Вселенную.

Вожжа. участники хоровода образуют волнистые линии. которые вскоре начинают, постепенно уменьшаться в амплитуде, в итоге превращаясь в точку. Именно волнистые линии олицетворяют волны океана Хаоса, из которого появляется новое рождленное, и в который уходит старое умершее.  

original (1)

Плетень. название этой фигуры - не случайно. Подобно мастеровому, начинающему изготовление плетня от исходной точки. участники хоровода расходятся от центра, образуя с каждой секундой увеличивающиеся спирали, которые символично иллюстрируют процесс Творения Вселенной.

Круг. символизм круга не ограничивается двумя определениями - это и завершение Творения, и Совершенство, и Гармония, и вечное Время, и Вселенная, и Бог, и бессмертная Душа.

Сторона на сторону. во время исполнения этой фигуры мужчины выстраиваются в шеренгу напротив женщин. Затем начинается поочередное схождение "двух начал" и их общение. Женщины как бы случайно роняют платки и венки. а мужчиныподнимают и возвращают потери хозяйкам. Они попровляют одежду друг на друге и расходятся только для того, чтобы через мгновение снова сойтись. Эта фигура прекрасно иллюстритует. что все в мире существует только блогодаря взаимодействию двух начал - небесного мужского и земного женского.

original

  На четыре стороны. Предпоследняя фигура призвана показать завершающий этап формирования Вселенной. Участники образуют квадрат, стороны которого символизируют четыре стороны света. Устойчивый и гармоничный квадрат как нельзя лучше отражает состояние мира во времени и пространства. Одним из элементов этой фигуры становятся символичные движения - участники на четыре стороны  "сеют просо", чтобы вскоре "собрать урожай".

Плясовая. С каждой фигурой движение хоровода ускоряется, и к своему завершению сакральный танец приобретает залихватскую удаль. Во время плясовой части хоровода исполняются самые любимые народные танцы, сопровождает которые удалой гармонист. Лучшие танцоры начинают солировать, ловко и неподражаемо демонстрируя свои способности. Это момент осознания своей сущности, своего места и своего предназначения.  

 

 

10 ФАКТОВ О КРУПНЕЙШЕМ РОССИЙСКОМ ХУДОЖЕСТВЕННОМ КОЛЛЕКТИВЕ - АНСАМБЛЕ ПЕСНИ И ПЛЯСКИ РОССИЙСКОЙ АРМИИ ИМ. АЛЕКСАНДРА АЛЕКСАНДРОВА

Alexandrov_Ensemble_Logo

1.  Ансамбль имени Александрова - это воинское подразделение, где проходят службу профессиональные музыканты. В их распорядок входят не только репетиции - они приносят присягу, проходят стороевую подготовку, умеют обращаться с оружием. В ансамбле служат и срочники, и контрактники, есть и гражданские артисты.

2. Коллектив был создан в 1928 году - тогда он получил название Ансамбль красноармейской песни Центрального дома Красной Армии имени Фрунзе. С этого времени Ансамбль имени Александрова поднимал своими выступлниями боевой дух солдат. Так, за годы Великой Отечественной войны музыканты дали более 1500 концертов. В мирные годы ансамбль выступал в горячих точках  - в прошлые годы это были Югославия, Афганистан, Приднестровье, в наши дни - Сирия.

загруженное

3. Крупнейший военный художественный коллектив России начинался с 12 человек: в его составе было 8 певцов, 2 танцора, баянист и чтец. Со временем сформировался хор, оркестр и танцевальная группа. Ансамбль признан одним из лучших в мире - он сочетает звучание капеллы с народной эмоциональностью, в оркестре народные инструменты соседствуют с духовыми. 

4. Создатель одного из символов Советской армии - Александр Александров. Профессор Московской консерватории, народный артист СССР, генерал-майор, доктор искусствоведения, начинал музыкальный путь певчим в Казанском соборе, был регентом в храме Христа Спасителя. Возглавить армейский коллектив Александрова убедил один из первых маршалов Советского Союза Климент Ворошилов.

ansambl_pesni_i_pljaski_aleksandrova

5. За почти 90 лет существование коллектива сложилась целая военно-музыкальная династия Александровых. Александр Васильевич - создатель коллектива, автор музыки к гимну Советского Союза и России, руководил ансамблем 18 лет. Его сын Борис был художественным руководителем 41 год. Два других сына - Александр и Владимир - дирижировали и руководили оркестром.

6. За годы существования ансамбля имени Александрова давал концерты: в парламенте Канады, в Ватикане в честь дня рождения папы римского Иоанна Павла II, в Штаб-квартире НАТО, а также записывал гимн Великобритании, исполнял с Бушем - старшим песни о дружбе на лужайке у Белого дома.

f01-24

   7. У ансабля есть традиция: на концерте в любом уголке мира петь на языке хозяев. Всего Ансамбль им. Александрова побывал на гастролях более чем в 70 странах с репертуаром из 2 тысяч песен. В 1937 году коллектив был удостоен гран-при Всемирной выставки в Париже.

8. В Ансамбле им. Александрова в разные годы служили народные артисты СССР: солист Большого театра Артур Эйзен, самый известный исполнитель песни "Калинка" Евгений Беляев, Алексей Сергеев, исполнявший в 1942 году на передовой "Священную войну". И еще десятки имён, что украшали афиши вудущих театров страны.

9. На гастролях в Париже в 1961 году уже прославленный ансамбль выступил с начинающей 15-летней певицей Мирей Матьё. Парижские газеты тогда писали, что благодаря хору Красной армии родилась новая французская звезда.

hqdefault

 10. Одна из традиций Ансабля им. Алексанрова - давать новогодние концерты в отдаленных гарнизонах страны и горячих точках. В каждом гострольном городе артисты навещают ветеранов и дают небольшие импровизированные концерты прямо дома для тех, кто не может прийти на концерт. 2016 году музыканты встречали с семьями военнослужищих в Нальчике и во Владикавказе.

25 декабря 2016 года во время крушения самолета Ту-154 погибло 68 музыкантов ансамбля, которые направлялись в Сирию, чтобы выступить перед российскими военными с новогодней программой. 

 

 ИСТОРИЯ ГОСУДАРСТВЕННОГО АКАДЕМИЧЕСКОГО АНСАМБЛЯ НАРОДНОГО ТАНЦА ИМ. ИГОРЯ МОИСЕЕВА

1

Государственный академический ансамбль народного танца им. И. Моисеева организован в 1937 году. День Рождения коллектива - 10 февраля, день первой репетиции в Доме учителя, в Леонтьевском переулке, 4. С 1940 года репетиционная база труппы находится в Концертном зале им. П.И. Чайковского.

2

 Первый концерт состоялся 29 августа 1937 года, в московском театре "Эрмитаж".

Государственный академический ансамбль народного танца им. И. Моисеева - первый в мире профессиональный хореографический коллектив, занимающийся художественной интерпретацией и пропагандой танцевального фольклора народов мира. 

Главными художественными принципами развития ансамбля является преемственность и творческое осмысление традиций и новаторства. За 78 лет существования коллектива, благодаря беспрестанным усилиям Игоря Моисеева и его артистов, сохранено и творчески осмыслено фольклорное танцевальное творчество нашей страны и народов всего мира. 

4

3















Главная задача, которую Игорь Моисеев поставил перед артистами первой труппы,  - творческая оброботка бытующих в то время образцов фольклора. С этой целью артисты ансамбля отправлялись в фольклорные экспедиции по стране. В репертуаре ансамбля фольклорные образцы получили новую сценическую жизнь, благодаря чему сохранились для нескольких поколений зрителей всего мира. Сегодня творческое освоение фольклора проходит во время зарубежных гастролей.

 С 1938 года и по сей день ансамбль беспрерывно гастролирует по России и за рубежом. За рекордное количество гастролей ансамбль занесен в российскую Книгу рекордов Гиннеса.

  5

Сегодня Государтвенный академический ансамбль народного танца им. И. Моисеева продолжает развивать и обогащать творчский метод интерпретации фольклора, пропагандируя его приемы и принципы в своих выступлениях на лучших сценах всего мира. 

 ДЖАЗ-МОДЕРН

МК

Человек часто ищет в танце наиболее полное самовыражение. Возможность полностью отдаться музыке душой и выразить все свои эмоции телом предоставляет такой стиль танца , как джаз-модерн.

 Что-то необычное, неизведанное есть в этом танце, его волновые колебания благотворно воздействуют на человека, заставляют отдаться первобытным ощущениям в музыке, помогают раскрыть весь танцевальный потенциал. Танцор получает полную свободу движений: как по вертикали , так и по горизонтали, а также отдельных частей тела.

 

 danza-jazz

ТЕХНИКА ДЖАЗ-МОДЕРНА

Вы будите приятно удивлены, какими красивыми и грациозными могут быть простые движния джаз-модерна. Главная особенность танца состоит в том, чтобы использовать своё тело для отстукивания ритма музыки, наподобие музыкального инструмента. Мощная энергетика танца, которая накрывает человека с головы до ног, достигается необычными изломами движений тела, гротескными метаниями на пол. Джаз-модерн комплексно и гармотично развивает силу и гибкость тела, создает позитивный настрой. Пластика и плавность движений достигается путём многочисленных тренировок, но результат стоит того. Танец джаз-модерн невозможен с отсутствием хотя бы одной из двух его состовляющих: внутренней или внешней. Внешняя - это формообразующая, движенческая сторона, а внутренняя - психодуховная. 

pgkproject

ПРОИСХОЖДЕНИЕ ДЖАЗ-МОДЕРНА

Джаз-модерн считается характерным стилем танца для африканских народов, именно оттуда он взял свою безудержную энергетику и првобытную страсть. Основанные на импровизации африканские ритмы гармонично сочетаются с джазовой музыкой, что в совокупности дает начало этому удивительному танцу. Считается, что джаз-модерн отлично подходит как раз для темпераментных, мятежных парадоксальных людей, всегда готовых к самовыражению и раскрытию своего богатого внутреннего мира. 


РУССКИЙ НАРОДНЫЙ ТАНЕЦ

РН танец


 РН танец 1







  







Русский народный танец - это танец, наверное, с самой богатой и насыщенной историей. Он берет свои истоки еще со времен Древней Руси. Его образованию послужили народные массовые пляски и гуляния, весёлые и большие хороводы и т.п. Все эти задорные мероприятия были неотъемлемой частью жизни русского человека. Без них не проходили ни один праздник, ни одна ярмарка или другая увеселительная программа. В отличие от современного человека, люди в эпоху Древней Руси умели радоваться жизни.


РН танец 2


Особенности русского народного танца


Русский народный танец ни за что не спутаешь с любым другим. Это особенный вид колоритной хореографии. У это танца масса отличительных характеристик и особенностей. Во-первых, русский народный танец - это задорные пляски с прыжками и активными движениями, которые неизменно сопровождаются бесконечным юмором и смехом. Во-вторых, обязательным атрибутом это танца является национальный костюм - не менее яркие и красивые, чем сами пляски. Русский народный танец очень богат на самые разнообразные хореографические па, в его основе лежит разу несколько видов танца, а именно: пляска, хоровод и кадриль. Можно с полной уверенностью сказать, что русский народный танец - это своеообразное олицетворение характера русского человека и его души. Ведь нет, наверное, более весёлого и обаятельного танца во всём мире. У русского человека неимоверно широкая и добрая душа - такой же и танец его народа.

          РН танец 3


Невозможно выделить один период из истории Древней Руси, когда зародился народный танец, но с полной уверенностью, можно сказать, что он абсолютно точно олицетворяет в себе всю нелегкую и насыщенную историю этого великого государства. Очень часто подобные пляски проводились под аккомпанемент песен и текстов о родине, героях и царях. В основном народный танец был привязан к массовым и большим церковным праздникам. Из самых грандиозных можно выделить: свадьбы, Рождество, Масленицу, Ивана Купала и ещё много других, ведь русский народный ещё славится и своим огромным количеством празднеств. Один из самых красивых и особенных танцев на Руси можно назвать пляски на плотах в ночь на Ивана Купала. В этот вечер происходило массовое гуляние с песнями и танцами, а незамужние девушки пускали по речной глади венок из цветов в поисках жениха.

РН танец 4


Русский народный танец отличается динамикой, большой подвижностью и наличием всевозможных прыжков и трюков, которые требовали очень хорошей физической подготовки, но стоит отметить, что во времена Древней Руси с этим проблем не было. К большому сожалению, русский народный танец уже не исполняется в наше время с такой частотой. В современном мире он используется лишь в качестве сценической изюминки и национальной демонстрации. 



КАК ПОЯВИЛСЯ БАЛЕТ?


культура


Балет родился в Северной Италии в эпоху Возрождения. Итальянские князья любили пышные дворцовые празднества, в которых танец занимал выжное место. Сельские пляски не подходили придворным дамам и кавалерам. Их пышные одеяния, как и залы, где они танцевали, не допускали неорганизованного движения. специальные учителя - танцмейстеры - заранее репетировали с дворянами отдельные фигуры и движения танца и руководили группами танцоров. Постепенно танец становился все более театральным.


культура 3



Сам термин "балет" возник в

Италии и означал танцувальный эпизод, передающий определенное настроение.

 

 



Мастерство ранних итальянских учителей танцев произвело впечатление на знатных французов, которые сопровождали армию Карла VIII, когда в 1494 году он вступил в Италию, предъявив свои претензии на трон Неаполитанского королевства. В результате итальянские танцмейстеры стали приглашаться ко французскому двору. Тогда же возникла необходимость в нотации - в системе записи танца. Автор первой из известных систем, Туан Арбо, начал передавать танцевальные па музыкальными знаками.


культура 1

 

По приглашению французкой королевы Екатерины Медичи итальянец Бальдасарино ди Бельджойозо (во Франции его называли Бальтазар де Божуайё) ставил придворные представления, наиболее известное из которых носило название "Цирцея, или Комедийный балет Королевы", было поставлено в 1581 году и обычно считается первым в истории музыкального театра балетным спектаклем. В нем, как это было тогда принято, соединились музыка, речь и танец. Сюжет был позаимствован в античной мифологии и стал обрамлением для стихотворных монологов и танцев. А партии нимф и наяд исполняли молоденькие фрейлины. Так что 15 октября 1581 года можно считать днём рождения балета.

На протяжении всего семнадцатого века жанр придворного балета развивался главным образом во Франции. Вначале это были балеты-маскарады, а затем помпезные мелодраматические балеты на рыцарские и фантастические сюжеты, где танцевальные эпизоды сменялись вокльными армиями и декламацией стихов.

Танец стал превращаться в балет, когда его начали исполнять по определенным правилам. Впервые их сформулировал французский балетмейстер Пьер Бошан (1637-1705), живший и творивший во времена короля Людовика XIV. Тогда спектакли придворного балета достигли особого впечатления.

Бошан записал каноны благородной манеры танца, в основу которой положил принцип выворотности ног (en dehors). Такое положение давало человеческому телу возможность свободно двигаться в разные стороны. все движения танцовщика он разделил на группы: приседание (плие), прыжки (заноски, антраша,кабриоли, жете, элевация), вращения (пируэты, фуэте), положение корпуса (аттитюды, арабески). Выполнение этих движений осуществлялось на основе пяти позиций ног и трех позиций рук (port de bras). Все па классического танца стали производными от этих позиций ног и рук. Эта классификация Бошана жива по сей день.


культура 2

Бошан разделил танцы на три основных вида: серьезный, полухарактерный и комический. Серьезный танец требовал академической строгости исполнения, красоты внешней формы, изящества - даже на грани жеманства. Это был "благородный" танец, он приличествовал персонажам трагедий - царям, богам, мифологическим героям.

Полухарактерный - объединял танцы пасторальные, пейзанские и фантастические, в которых на сцену являлись силы природы или персонифицированные человеческие страсти. Пляски фурий, нимф и сатиров также подчинялись его законам.

Комический танец отличался виртуозностью, допускал утрированные движения и импровизацию. Он был нужен для гротесковых и экзотических танцев, встречавшихся в комедиях театра классицизма. Так началось формирование балета, развившегося к восемнадцатому веку из интермедий и дивертисментов в самостоятельное искусство. 




Итальянский народный танец - ТАРАНТЕЛЛА 

 tarantella

 

Быстро, быстрее, ещё быстрее - это главный принцип исполнения тарантеллы. Неистовый темп танца заставляет исполнителя выкладываться полностью, вовлекая в действо всё новых и новых танцоров.


Тарантелла - это танец, появившийся на свет в 15-м столетии на юге Италии. Его название по одной версии, происходит от названия ядовитого паука тарантула. По другой версии, танец получил своё название от итальянского города Таранто, где, как считают, и появилась тарантелла.


ИСТОРИЯ ВОЗНИКНОВЕНИЯ


Существует несколько легенд, связанных с этим танцем. Одна из них рассказывает, что в древности, во время жертвоприношения, выбранную жертву закрывали в помещении, наполненном тарантулами. Жертва была вынуждена под музыку прыгать среди ядовитых пауков, надеясь избежать укусов. Темпмузыки постепенно убыстрялся, и обессиленная жертва падала от усталости и погибала.

Существует и другая версия происхождения танца. Она также связана с экзотическим пауком тарантулом. Согласно легенде, укус паука вызывал страшную болезнь - "тарантизм". Каждый заболевший был обречен на смерть. И лишь одно спасение было у укушенного - стремительная, необузданная пляска, разгоняющая кровь и нейтрализующая дейсвие яда.

Насколько правдивы данные легенды - неизвестно. Но в прошлом люди действительно верили в целебное действие танца. Врачи даже спорили, что дает больший эффект - быстрые танцевальные движения или музыка.

Однако, в Средние века духовенство негативно относилось к этому танцу. Приписывая тарантелле целительную силу, простые люди оправдывали свои пирушки и неистовые танцы после них. Известнен случай, когда во время похорон добродетельного парижского священника, молодая женщина исцелилась от паралича, прикоснувшись больной рукой к усопшему. Этот случай послужил началом неистовых действ на кладбище Сен-Медар. "Пляски исцеления" стали проходить там постоянно, сопровождаясь криками, кривляньями, непристойными звуками. Слово "тарантелла" стало синонимом неприличного действа. 

Считалось, что этот экспрессивный танец под аккомпанемент тамбурина танцевали только женщины из низших общественных слоев, однако уже в 17-м веке кардинал Барберини ввел исполнение тарантеллы при дворе. Вскоре танец стал популярным и в других государствах - Германии, Нидерландах, Франции. Ведущие композиторы не раз увековечили темпераментный танец в своих произведениях. К самобытному итальянскому танцу обращались в своем творчестве П.Чайковский, К.Дебюсси, Ф.Лист, Ф.Шопен, Д.Россини и другие.

тарантелла


Тарантеллу можно танцевать в паре и соло. Особенностью танца является его резвый, все убыстряющийся темп. Однако, если танец исполняется супружеской парой, то он мог быть и сдержанным - грациозным и элегантным. старинная тарантелла имела музыкальный размер 2/4 или 4/4, позже традиционным стал размер 3/8 или 6/8. Характерной для танца является мелодия триолями.


Тарантелла представляет собою синтез мавританских и испанских танцев, впитавших в себе итальянские национальные особенности. В Неаполе этот танец исполнялся парой: молодые люди использовали его для ухаживания за девушкой. Часто он имел характер поединка: кавалеры боролись за внимание дамы и состязались, кто кого перепляшет. Музыканты должны были четко улавливать настроение танцоров, которые, входя во вкус, все более и более ускоряли темп. движения тарантеллы резкие, четкие, часто сопровождаются пением.


ВИДЫ ТАРАНТЕЛЛЫ

 

В каждом регионе Италии танец танцуют по-разному, но обязательно темпераментно и в быстром темпе. Различают неопалитанскую и сицилийскую тарантеллу. Особенностью сицилийской тарантеллы является использование в танце кастаньет, в то время как неаполитанская разновидность танца испоняется под тамбурин. 

Тарантеллы бывает:


Каждый из этих видов танца объединяет стремительный темп, неистовый темперамент, веселое, бодрое настроение. 












ПОЙМАВШАЯ СИНЮЮ ПТИЦУ…О театре Н.И. Сац. 

По материалам: http://teatr-sats.ru/

Народная артистка СССР, Герой Социалистического Труда, лауреат Ленинской и Государственных премий СССР

“Меня часто спрашивают, как, когда у меня появилось чувство неодолимой потребности отдать все свои силы, опыт, любовь на создание первого театра оперы для детей… Вся моя жизнь какими-то крупицами готовила меня к этому, самому главному…”Наталия Сац

Маленькая девочка не может уснуть. Сквозь тонкую перегородку она слушает музыку: то стремительную, искрящуюся, словно пляска огня, то переливающуюся журчанием воды, то мерцающе-волшебную, будто появилась фея. Это была музыка к знаменитому спектаклю Московского Художественного театра «Синяя птица». Ее сочинил известный композитор Илья Сац, отец девочки. «Но кто такая Синяя птица, папа?» — «Птица Счастья, только, говорят, поймать ее невозможно.» — «А я, когда вырасту, поймаю Синюю птицу!»

Девочка подросла. В 15 лет к ней обращались как к взрослой — Наталия Ильинична, потому что она уже возглавила рожденный по ее инициативе первый в мире Детский театр (театр Моссовета, 1918 г.).

«Матерью детских театров мира» называли Наталию Сац (1903 – 1993 гг.) , человека легендарной судьбы и фантастических свершений. Московский театр для детей, Центральный детский, Первый ТЮЗ Казахстана обязаны Н.И. Сац своим рождением. Уже в 20-е годы она заявила о себе как выдающийся режиссер. Огромный успех у зрителей и прессы имели ее постановки для детей «Негритенок и обезьяна», «Про Дзюбу», «Золотой ключик», «Сережа Стрельцов» и др. Общепризнанным успехом пользовались и спектакли Н.И. Сац, осуществленные на больших оперных сценах мира, в том числе в творческом содружестве с всемирно известным дирижером Отто Клемперером, высоко ценившим ее творческую индивидуальность («Фальстаф» Дж. Верди в Кролль-опере, Берлин 1931, «Свадьба Фигаро» В.-А. Моцарта в театре «Колон», Буэнос-Айрес, 1931).

В 24 года Н.Сац получает звание заслуженной артистки Республики. Её имя овеяно поистине всенародной славой, как вдруг… Наверное,  нынешнему  поколению  трудно  представить  себе,  как  сказывались  на  судьбе  самых  выдающихся  людей  страны  годы  сталинских  репрессий,  сколько из них погибло, сколько провело многие годы в лагерях и в ссылках. Биография Н.И. Сац – один из ярчайших тому примеров: арестованная в 1937 г., только через 18 лет она смогла вновь вернуться в Москву…

Начало 60-х годов… Остались позади годы сталинских лагерей и ссылок… Наталия Ильинична снова в Москве. И с необыкновенной фантастической энергией она борется за создание совершенно нового театра — детского музыкального. Не было здания. Практически не было опер и балетов для детей. Не было артистов, желающих и умеющих работать в таком театре… Но всем этим НЕ БЫЛО противостояли ЕЕ ВОЛЯ, ЕЕ ВЕРА, ЕЕ ЛЮБОВЬ К ДЕТЯМ. И они победили…

Синяя птица… Птица счастья… По предложению Наталии Ильиничны она стала символом театра. И не случайно Птица Счастья распростерла свои крылья над зданием Детского музыкального театра имени Наталии Сац.

 
 
 
 

Фламенко - традиционный танец Испании

ФламенкоФламенкоФламенко

Фламенко (исп. flamenco) — традиционный музыкально-танцевальный стиль, происходящий из Испании. Стиль представлен несколькими десятками разновидностей (более 50). Танцы и песни фламенко, как правило, сопровождаются гитарой и перкуссией: ритмическим битьем в ладоши, игрой на перкуссионном ящике; иногда - кастаньетами.

Что такое фламенко?

Фламенко - очень молодое искусство, история которого насчитывает не более двух веков. С тех пор, как во фламенко стала использоваться гитара, оно находится в постоянном развитии. Это вполне закономерно: такая богатая, насыщенная, самобытная музыкальная культура не может находиться в застойном состоянии: сказывается ее бесспорное смешанное происхождение.

Фламенко по сути - продукт поглощения, впитывания, слияния различных культур; а сама идея слияния имеет очень древние корни. Один из классиков фламенко много лет назад сказал: "Можно петь в сопровождении оркестра, а можно - в сопровождении свирели, подо все можно петь!" Новое фламенко не родилось в 80-ые, это "другое" фламенко существует уже много десятилетий. Движение - вот, что важно. Движение означает жизнь.

Точной даты возникновения фламенко нет, его корни уходят в глубь веков.

История этого истинно андалузского продукта испанской культуры, который поначалу был довольно закрытым и герметичным, овеяна облаком мифов и загадок. Любое фольклорное явление происходит от древних традиций и представляет собой некое коллективное творение.

О фламенко же известно, что оно существует около двух веков.

Что в основе? Красивые мавританские мечтания, цыганские танцы, непостижимые фантазии, сладострастие, когда всякая логика утрачивает силу...

В 19-м веке термин "фламенко" обретает более конкретное содержание, нам близкое и привычное. Кроме того, в середине века это определение начинает применяться к искусству.

Согласно утверждениям исследователей, первые исполнители фламенко появились в Мадриде в 1853 году, а в 1881 уже публикуется первый сборник песен фламенко Мачадо и Альвареса.

С появлением кафе кантанте, в которых исполнение фламенко начинает носить профессиональный характер, ведется непрерывная борьба между теми, кто яростно защищает чистоту искусства, и сторонниками дальнейшего распространения и развития фламенко.

В 20-м веке фламенко возрождается, обогащается за счет авторских интерпретаций, нововведений. 

 

 Стоит упомянуть дуэт величайших артистов фламенко, проработавших большую часть своих жизней вместе: Камарон и Пако. Четверть века назад появились творческие группы исполнителей с мировым признанием, среди которых Пако де Лусия и Маноло Санлукар (гитара), Антонио Гадес и Марио Майя (танец), Камарон и Энрике Моренте (пение).

Фламенко начинает окрашиваться в иные цвета. Вводятся новые музыкальные инструменты, появляются новые музыкальные формы в пении и игре. Яркий тому пример - творчество Пако де Лусия и Камарона, которые для целого поколения дали новое определение фламенко.

Возникнув, фламенко исполнялось в семейном кругу и не выходило за его пределы. Дальнейшим распространением и развитием оно обязано истинным творцам-исполнителям, искавшим свои пути развития и именно поэтому оставившим след в истории.

 

Есть определенный смысл в том, что приверженцы фламенко чтят традиции, что имеет и положительные, и отрицательные стороны. В частности, строгое следование традиции делает невозможным глубокое понимание фламенко. Пение, стили, мелодия фламенко подобны живому организму, который находится в постоянном развитии.

В настоящее время достаточно затруднительно дать оценку тому, что происходит. Сейчас найдутся такие, кто скажет, что за последние 50 лет сильно ухудшились и техника исполнения, и ритмика, что достойно внимания только пение стариков. Другие считают, что лучшего момента для фламенко, чем в настоящее время, и не найти. "Фламенко только за последние 15 лет претерпело больше изменений, чем за всю свою историю", - утверждает Барберия, который, как многие другие, за точку отсчета нового видения фламенко принимает диск Камарона де ла Исла "Легенда времени", вышедший в 1979 г.

Чистое фламенко не старое фламенко, но древнее, от этого более ценное. Во фламенко умирающий почтенный старец подобен сожженной книге, сломанному диску. Если говорить о музыкальном примитивизме, чистоте и подлинности исполнения, становится очевидным сложность сделать что-то новое. Когда певец исполняет песню, а музыкант аккомпанирует ему на гитаре, они оба как бы осуществляют акт воспоминания. Чувства - это тень памяти.

"Огонь, умирающий для того, чтобы родиться, - это фламенко". Такое определение дал ему Жан Кокто.

Тем не менее, во фламенко очень много "клубов по интересам": наравне со сторонниками чистоты стиля есть и приверженцы новых форм и звучаний. Именно поэтому очень важно сотрудничество музыкантов, представляющих различные направления. Здесь уместно вспомнить совместные работы Пако де Лусия и Кетама.

И в довершение хочется привести высказывание Альвареса Кабальеро, одного из наиболее влиятельных современных критиков:"Только дуэт певца и гитариста на сцене встретишь крайне редко, это скоро станет архаизмом. Тем не менее, мне очень бы хотелось ошибиться в своих прогнозах". Он, безусловно, ошибется. "Чистое" фламенко не исчезнет.

Источник: c-cafe.ru

 

 

 

 

 

 



Документальный фильм о балетном спектакле "Легенда о Любви".



Телеканал «Россия Культура» 10 сентября в 17:50 (время бакинское) представит премьеру документального фильма «Легенда» об истории создания, постановках и уникальности знаменитого балета «Легенда о любви», созданного выдающимся композитором, народным артистом СССР и Азербайджана Арифом Меликовым. 

В фильме своими воспоминаниями о постановке делятся легенды мирового искусства: с российской стороны - Юрий Григорович, Майя Плисецкая, Валерий Гергиев, Николай Цискаридзе, который также выступил в роли ведущего проекта, с турецкой - Мерич Сюмен и Тюркан Шорай, и конечно же, Ариф Меликов. Съемки фильма проходили в Баку, Москве и Стамбуле.

 Повторный показ состоится в день рождения Арифа Меликова - 13 сентября в 15:05.

Либретто балета "Легенда о любви" поэт и драматург Назым Хикмет создал на основе собственной драмы "Ферхад и Ширин", которая, в свою очередь, основывалась на старинной легенде "Хосров и Ширин". В 1958 году молодой композитор Ариф Меликов приступил к работе над балетом, которая продолжалась два года.

 

Мировая премьера балета "Легенда о любви" состоялась в Ленинграде, на сцене Театра оперы и балета имени С.Кирова, ныне Мариинского театра, 23 марта 1961 года. Спектакль, поставленный молодым хореографом Юрием Григоровичем в декорациях Симона Вирсаладзе, сразу стал художественной сенсацией и привел к поворотным событиям в дальнейшем развитии советского балета ХХ века. Дирижером-постановщиком был маэстро Ниязи. В дальнейшем балет "Легенда о любви" с успехом был представлен на лучших сценах мира.

 

На сцене Большого театра спектакль появился в 1965 году, и долгие годы имел большой успех.